GPC se déploie comme une œuvre pluri-disciplinaire où le document imprimé et l’objet sculptural se répondent pour interroger les formes de représentation et de confrontation visuelle dans l’espace public et artistique. L’artiste utilise une série de images imprimées et transférées sur aluminium, représentant une montagne sous forme de sphère éclatée, ponctuée d’accessoires d’alpinisme et d’éléments gorpcore. Cette imagerie fragmentée accentue les tensions entre nature, culture et style, tout en dialoguant avec la sculpture qui lui donne un volume et une présence tridimensionnelle.
L’œuvre ne se limite pas à l’exposition d’images : la structure sculpturale transforme les tirages en artefacts performatifs, où chaque image sur aluminium est relue à travers son insertion dans l’espace construit. Le dispositif explore la mémoire, l’archive et la trace visuelle, tout en questionnant la manière de consommer et d’interpréter l’image contemporaine. Le transfert sur aluminium renforce la matérialité et la brillance des images, tandis que le dialogue entre plan et volume invite le public à expérimenter le rapport entre représentation visuelle, matériel et expérience physique.
GPC unfolds as a multidisciplinary work in which printed documents and sculptural objects interact to question forms of representation and visual confrontation in public and artistic spaces. The artist uses a series of images printed and transferred onto aluminium, depicting a mountain in the form of a fragmented sphere, punctuated with mountaineering accessories and gorpcore elements. This fragmented imagery accentuates the tensions between nature, culture and style, while interacting with the sculpture, which gives it volume and a three-dimensional presence.
The work is not limited to the exhibition of images: the sculptural structure transforms the prints into performative artefacts, where each image on aluminium is reinterpreted through its insertion into the constructed space. The installation explores memory, archives and visual traces, while questioning the way we consume and interpret contemporary images. The transfer onto aluminium enhances the materiality and brilliance of the images, while the dialogue between plane and volume invites the public to experience the relationship between visual representation, material and physical experience.
Laboratoire de surveillance – Football & supporterisme est une œuvre qui documente et met en scène, par images imprimées et traitement visuel, les dispositifs de contrôle et de répression auxquels sont soumis les supporter·ices de football. L’artiste a reconstruit en 3D le Parc des Princes et son quartier, afin d’y implanter et visualiser les dispositifs de surveillance — caméras, scanners, barrières et forces de l’ordre — et d’en montrer l’impact spatial et social.
Graphiquement, il combine images documentaires, captures 3D et modules typographiques pour rendre perceptibles des mécanismes de contrôle souvent invisibles. L’impression de ces visuels sur supports tangibles transforme ces données abstraites en objets critiques palpables, faisant de chaque tirage un acte de révélation et de réflexion.
Ainsi, il fonctionne comme une archive critique et artistique, où l’expérience visuelle et la matérialité de l’image imprimée permettent de questionner le pouvoir, la surveillance et la répression dans l’espace public et sportif.
Laboratoire de surveillance – Football & supporterisme (Surveillance Laboratory – Football & Fan Culture) is a work that documents and depicts, through printed images and visual processing, the control and repression measures to which football fans are subjected. The artist has reconstructed the Parc des Princes stadium and its neighbourhood in 3D in order to install and visualise the surveillance mechanisms – cameras, scanners, barriers and law enforcement – and to show their spatial and social impact.
Graphically, he combines documentary images, 3D captures and typographic modules to make often invisible control mechanisms perceptible. Printing these visuals on tangible media transforms abstract data into palpable critical objects, making each print an act of revelation and reflection.
Thus, it functions as a critical and artistic archive, where the visual experience and materiality of the printed image allow us to question power, surveillance and repression in public and sporting spaces.
L'exposition de diplôme INFRA·FLUX réunit douze étudiant·es de master en Design et Politique du Multiple autour d'une scénographie collective. Dans une pluralité de pratiques et d'interrogations s'établissent des tactiques de décortication, d'infiltration et d'investigation amenant de nouvelles lectures du réel. En brouillant les limites entre archives, ressources documentaires, subjectivités, rapports sensibles et personnels ou fictions collectives, ces artistes, designer·euses, photographes, vidéastes dévoilent un ensemble d'imaginaires et d'interstices à explorer, à transformer.
En collaboration avec Marion Lissarrague et Laurent Mbaah.
The INFRA-FLUX diploma exhibition brings together twelve master's students in design and the politics of the multiple around a collective scenography. Through a range of practices and questions, tactics of deconstruction, infiltration and investigation are established, leading to new readings of reality. By blurring the boundaries between archives, documentary resources, subjectivity, sensitive and personal relationships and collective fictions, these artists, designers, photographers and video-makers reveal a range of imaginary worlds and interstices to be explored and transformed.
In collaboration with Marion Lissarrague and Laurent Mbaah.
Identité visuelle et site web pour VeridisQuo, studio de services créatifs, producteur de concerts et spectacles.
Visual identity and website for VeridisQuo, creative services studio, producer of concerts and shows.
Le projet schiev, en collaboration avec le collectif Alliage, est un projet pluri-disciplinaire qui s’inscrit dans une esthétique contemporaine assumée, qui traduit visuellement l’esprit curatorial du festival : une musique avant-gardiste, ouverte et éclectique.
Visuellement, le festival schiev mise sur des visuels qui dépasse le simple affichage d’informations pour devenir une expérience visuelle en soi. Les compositions graphiques créées pour cette édition jouent avec formes, typographies et contrastes de façon non conventionnelle, le plus souvent animé — un choix qui reflète l’identité du festival comme espace de découverte, de rupture et d’expérimentation.
Cette direction artistique s’éloigne des codes visuels classiques des festivals généralistes : plutôt que de rechercher la « lisibilité neutre », elle privilégie une esthétique fragmentée et expressive. Ce langage visuel intense et singulier agit comme une accroche esthétique qui communique le caractère audacieux et pluriel de la programmation musicale avant même l’expérience live elle-même.
Les visuels instagram et les supports du festival jouent souvent sur des densités graphiques inhabituelles, utilisant la juxtaposition d’éléments visuels contrastés et une organisation spatiale qui capte l’attention et incarne l’énergie du festival.
The schiev project, in collaboration with the Alliage collective, is a multidisciplinary project with a bold contemporary aesthetic that visually conveys the curatorial spirit of the festival: avant-garde, open and eclectic music.
Visually, the schiev festival focuses on visuals that go beyond simply displaying information to become a visual experience in themselves. The graphic compositions created for this edition play with shapes, typographies and contrasts in an unconventional way, most often animated — a choice that reflects the festival's identity as a space for discovery, disruption and experimentation.
This artistic direction departs from the classic visual codes of generalist festivals: rather than seeking ‘neutral legibility’, it favours a fragmented and expressive aesthetic. This intense and unique visual language acts as an aesthetic hook that communicates the bold and pluralistic nature of the musical programme even before the live experience itself.
The festival's Instagram visuals and media often play on unusual graphic densities, using the juxtaposition of contrasting visual elements and a spatial organisation that captures the attention and embodies the energy of the festival.
Réalisée à l’aide d’outils détournés, d’outils libres, de bricolage, l’édition d’art d’images imprimées collective TOP 10 CRAZY HACKS THAT ACTUALLY WORK !! 😲😅😱😱👌 regroupe tutoriels absurdes, protocoles de défense, présentations du travail d’étudiant·e·s, artistes, hackereuses investi·e·s dans ces questions. Cette édition collective construite avec Vinciane Dahéron, Théo Hennequin et Marion Lissarrague, désire traiter la notion de hack dans son sens le plus large : « Le hacking est ainsi, plus généralement, un ensemble de techniques permettant d’exploiter les possibilités, failles et vulnérabilités d’un élément ou d’un groupe d’éléments matériels ou humains. »
En collaboration avec Vinciane Dahéron, Marion Lissarrague et Laurent Mbaah.
Created using repurposed tools, free tools and DIY methods, the collective art edition of printed images TOP 10 CRAZY HACKS THAT ACTUALLY WORK !! 😲😅😱😱👌 brings together absurd tutorials, defence protocols, and presentations of work by students, artists, and hackers involved in these issues. This collective edition, created with Vinciane Dahéron, Théo Hennequin, and Marion Lissarrague, aims to address the concept of hacking in its broadest sense: ‘Hacking is thus, more generally, a set of techniques for exploiting the possibilities, flaws and vulnerabilities of an element or group of material or human elements.’
In collaboration with Vinciane Dahéron, Marion Lissarrague and Laurent Mbaah.
Laboratoire de surveillance – Le Parc des Princes est une œuvre d’art pluri-disciplinaire qui combine design visuel, cartographie critique et interaction numérique pour révéler les mécanismes de surveillance, de contrôle et de répression déployés dans et autour du stade parisien. Depuis les drames du Heysel, d’Hillsborough et de Furiani, les enceintes sportives sont devenues, selon le propos du projet, de véritables laboratoires des nouvelles politiques de surveillance et de gestion sociale, où caméras, reconnaissance faciale, fichage et unités policières coexistent dans un dispositif d’État invisible mais omniprésent.
L’œuvre interactive n’est pas une simple interface d’information : il fonctionne comme installation numérique où la navigation fait émerger, dans une cartographie et des visualisations sensibles, les éléments qui constituent ce régime de contrôle. En rendant visibles des dispositifs souvent dissimulés, l’œuvre place le·la spectateur·ice dans une posture réflexive active plutôt que passive.
Par son articulation entre recherche critique, représentation visuelle et interaction, le projet transforme la collecte et la présentation des données en une expérience artistique immersive : le design devient ici à la fois outil analytique et mode d’expression esthétique qui questionne la présence de la surveillance dans l’espace public et culturel, rendant perceptible ce qui est trop souvent perçu comme normal ou invisible.
« LABORATOIRE DE SURVEILLANCE — LE PARC DES PRINCES »
Surveillance Laboratory – Le Parc des Princes is a multidisciplinary work of art that combines visual design, critical cartography and digital interaction to reveal the mechanisms of surveillance, control and repression deployed in and around the Parisian stadium. Since the tragedies at Heysel, Hillsborough and Furiani, sports venues have become, according to the project, veritable laboratories for new surveillance and social management policies, where cameras, facial recognition, data collection and police units coexist in an invisible but omnipresent state apparatus.
The interactive work is not a simple information interface: it functions as a digital installation where navigation brings out, in a sensitive cartography and visualisations, the elements that constitute this regime of control. By making often hidden devices visible, the work places the viewer in an active rather than passive reflective position.
Through its articulation of critical research, visual representation and interaction, the project transforms the collection and presentation of data into an immersive artistic experience: here, design becomes both an analytical tool and a mode of aesthetic expression that questions the presence of surveillance in public and cultural spaces, making perceptible what is too often perceived as normal or invisible.
« LABORATOIRE DE SURVEILLANCE — LE PARC DES PRINCES »
Football & supportérisme – Laboratoire de surveillance ATLAS ORAL est un projet d’art des images imprimées qui explore le lien entre oralité et engagement collectif, en se concentrant sur les chants et slogans issus des manifestations de rue et des tribunes de football. L’œuvre traduit visuellement la puissance et la musicalité des voix militantes et supporter·ices, transformant des paroles éphémères en formes graphiques durables.
L’aspect plastique se déploie à travers une mise en page pensée comme un rythme, où la typographie devient instrument de la voix, modulant la hauteur, l’intensité et le tempo des chants. Les variations de corps, d’interlignes et de compositions reflètent la diversité des expressions orales, faisant résonner l’énergie collective et le mouvement social dans chaque page imprimée.
Le projet dépasse le cadre du livre ou de l’édition. Il a été activé sur le terrain, lors d’une distribution au stade Joseph Marien de l’Union Saint-Gilloise, transformant les spectateur·ices en participants·es de l’œuvre. Cette intervention performative crée un pont entre espace urbain, événement sportif et pratique artistique, où l’image imprimée devient un vecteur de partage, d’échange et de réflexion sur les dynamiques collectives et l’engagement vocal.
Football & fan culture – Monitoring laboratory ATLAS ORAL is a printed image art project that explores the link between oral tradition and collective engagement, focusing on chants and slogans from street demonstrations and football terraces. The work visually translates the power and musicality of militant voices and supporters, transforming ephemeral words into lasting graphic forms.
The visual aspect unfolds through a layout designed to resemble rhythm, where typography becomes an instrument of the voice, modulating the pitch, intensity and tempo of the chants. Variations in font size, line spacing and composition reflect the diversity of oral expression, allowing the collective energy and social movement to resonate on every printed page.
The project goes beyond the scope of a book or publication. It was activated in the field, during a distribution at the Joseph Marien stadium of Union Saint-Gilloise, transforming spectators into participants in the work. This performative intervention creates a bridge between urban space, sporting events and artistic practice, where the printed image becomes a vehicle for sharing, exchange and reflection on collective dynamics and vocal engagement.
Football & supportérisme – Laboratoire de surveillance ATLAS VISUEL est un projet d’art des images imprimées qui met en regard l’univers du supportérisme footballistique et celui du militantisme, en explorant visuellement les zones de croisement symbolique, rituelle et politique entre ces deux mondes. Le projet s’inscrit dans une démarche de recherche plus large sur les dispositifs de surveillance, de contrôle et de répression auxquels les supporter·ices — ultras, fervent·es ou manifestant·es — sont soumis dans les stades comme dans l’espace public.
Graphiquement, ATLAS VISUEL déploie une manière visuelle d’échanger des codes propres au monde des tribunes et à celui des luttes sociales : les formes, les motifs et les compositions empruntent à l’imagerie du football (banderoles, gestes de foule, signes identitaires) tout en les juxtaposant à des éléments issus du militantisme. Cette concaténation visuelle met en lumière les similarités structurelles entre les chants, les corps en mouvement et les rythmes collectifs, tout en questionnant la manière dont ces expressions sont encodées, surveillées et parfois réprimées par les autorités et par les systèmes de contrôle.
L’édition ne se limite pas à une simple juxtaposition d’images : elle fonctionne comme un outil d’investigation visuelle, révélant comment les codes graphiques des supporters de football rejoignent ceux des mouvements sociaux, et comment ces deux pratiques collectives deviennent des espaces d’expression politique, de résistance et de visibilité culturelle. Par son traitement visuel, ATLAS VISUEL invite à repenser la place des supporter·ices et des militant·es comme acteurs sociaux à part entière, et à interroger leur représentation et leur perception dans la société contemporaine.
Football & fan culture – Surveillance laboratory ATLAS VISUEL is an art project using printed images that compares the worlds of football fan culture and activism, visually exploring the symbolic, ritualistic and political intersections between these two worlds. The project is part of a broader research initiative on the surveillance, control and repression mechanisms to which supporters – ultras, fervent fans or protesters – are subjected in stadiums and public spaces.
Graphically, ATLAS VISUEL employs a visual approach to exchange codes specific to the world of football terraces and social struggles: the shapes, patterns and compositions borrow from football imagery (banners, crowd gestures, identity signs) while juxtaposing them with elements from activism. This visual concatenation highlights the structural similarities between chants, moving bodies and collective rhythms, while questioning the way in which these expressions are encoded, monitored and sometimes repressed by the authorities and control systems.
The publication is not limited to a simple juxtaposition of images: it functions as a tool for visual investigation, revealing how the graphic codes of football supporters mirror those of social movements, and how these two collective practices become spaces for political expression, resistance and cultural visibility. Through its visual treatment, ATLAS VISUEL invites us to rethink the place of supporters and activists as social actors in their own right, and to question their representation and perception in contemporary society.
FERVENT·ES & CONTESTATAIRES est un projet qui se déploie comme une œuvre pluri-disciplinaire qui mêle design graphique, images imprimées, performance, militantisme et spectacle public. Au cœur du projet, une série de drapeaux imprimés — médium symbolique à la fois du·de la supporter·ice de football et du·de la manifestant·e — met en lumière des revendications communes : critiques sociales, solidarités et luttes partagées par ces deux espaces d’expression collective.
La typographie COLD TYPE, inspirée de l’architecture brutaliste et du post‑punk, confère aux visuels une énergie brute et militante, invitant à lire chaque slogan non seulement comme un message, mais comme un acte visuel revendicatif.
Le projet a été activé comme performance dans un stade lors d’un match de football, où les drapeaux ont transformé l’espace sportif en scène d’expression politique et culturelle, brouillant la frontière entre supporterisme et protestation. Cette activation dans l’arène sportive recontextualise ces artefacts visuels loin de la simple communication graphique.
De même, la performance a été reprise lors d’une manifestation, intégrant les drapeaux à des mobilisations sociales réelles, où ils agissent comme signes partagés entre différents champs d’engagement collectif.
Ainsi, l’œuvre ne reste pas confinée à l’objet imprimé : elle devient événement vivant, tissant un pont entre culture populaire, espace politique et esthétique graphique.
FERVENT·ES & CONTESTATAIRES is a multidisciplinary project combining graphic design, printed images, performance, activism and public spectacle. At the heart of the project is a series of printed flags—a medium symbolic of both football supporters and protesters—highlighting common demands: social criticism, solidarity and struggles shared by these two spaces of collective expression.
The COLD TYPE typography, inspired by brutalist architecture and post-punk, gives the visuals a raw and militant energy, inviting us to read each slogan not only as a message, but as a visual act of protest.
The project was activated as a performance in a stadium during a football match, where the flags transformed the sporting space into a stage for political and cultural expression, blurring the line between fan culture and protest. This activation in the sporting arena recontextualises these visual artefacts far beyond simple graphic communication.
Similarly, the performance was repeated during a demonstration, integrating the flags into real social mobilisations, where they act as shared signs between different fields of collective engagement.
Thus, the work is not confined to the printed object: it becomes a living event, building a bridge between popular culture, political space and graphic aesthetics.
L'affiche joue avec les couleurs et la typographie Suisse. L’ensemble du visuel, par ces lignes de force, forme un triangle, image de la montagne. Par la même idée, le titre « Sierre-Zinal », ascendant puis descendant connote la montée depuis Sierre au-delà de l'hôtel Weisshorn, puis la retombée sur Zinal. Suivant ce titre typographique, les couleurs, un dégradé du violet au rouge, symbolisent la montée dans la nuit et le lever du soleil par-dessus les cinq 4000. Pour cette édition exceptionnelle, symbole de longévité, le fond de l’affiche propose « 50e » en deuxième plan.
The Sierre-Zinal poster uses Swiss colours and typography. These strong lines form a triangle, in the image of the mountain. Similarly, the title "Sierre-Zinal", ascent then descent, evokes the ascent from Sierre past the Weisshorn hotel, then the descent to Zinal. After this typographic title, the colours, a gradation from violet to red, symbolise the ascent in the night and the sunrise over the five 4000-metre peaks. For this exceptional edition, a symbol of longevity, the background of the poster features the words "50th" in the background.
After Qatar est un projet d’art pluri-disciplinaire conçu initialement comme une affiche en deux volets : l’un visuel, frappant et immédiatement interpellant, l’autre textuel, invitant à la réflexion et à la lecture critique. L’œuvre aborde le contexte social, politique et géopolitique de la Coupe du Monde de football 2022 au Qatar, mettant en lumière les questions de travail forcé, d’exploitation et d’inégalités qui entourent un événement mondialement médiatisé.
L’approche artistique est volontairement hybride et participative. Les affiches ont été activées dans l’espace public, collées dans les rues et aux abords des stades de Bruxelles, Valence et Cambrai, transformant la ville en un terrain d’exposition vivant. Cette intervention performative crée un dialogue direct avec les passant·es, dont les réactions variées — curiosité, scepticisme, engagement ou questionnement — font partie intégrante de l’œuvre. L’expérience visuelle et textuelle devient alors un vecteur d’échange et de confrontation des points de vue, transformant l’art en outil d’interpellation sociale et de médiation citoyenne.
L’œuvre joue également sur le contraste entre image et texte, entre l’impact immédiat du visuel et la profondeur critique du message écrit, reflétant la complexité et la multiplicité des enjeux du projet. After Qatar dépasse ainsi le cadre de l’affiche traditionnelle, elle devient une performance publique, un espace de débat et un dispositif d’engagement, où l’art et la citoyenneté se rencontrent dans l’espace urbain.
En collaboration avec Alan Romeira et Baptiste Coppée.
After Qatar is a multidisciplinary art project initially conceived as a two-part poster: one part visual, striking and immediately compelling, the other textual, inviting reflection and critical reading. The work addresses the social, political and geopolitical context of the 2022 World Cup in Qatar, highlighting issues of forced labour, exploitation and inequality surrounding a globally publicised event.
The artistic approach is deliberately hybrid and participatory. The posters were activated in public spaces, stuck up in the streets and around the stadiums of Brussels, Valencia and Cambrai, transforming the city into a living exhibition space. This performative intervention creates a direct dialogue with passers-by, whose varied reactions – curiosity, scepticism, engagement or questioning – are an integral part of the work. The visual and textual experience thus becomes a vehicle for exchange and confrontation of points of view, transforming art into a tool for social engagement and citizen mediation.
The work also plays on the contrast between image and text, between the immediate impact of the visual and the critical depth of the written message, reflecting the complexity and multiplicity of the project's issues. After Qatar thus goes beyond the framework of the traditional poster, becoming a public performance, a space for debate and a means of engagement, where art and citizenship meet in the urban space.
In collaboration with Alan Romeira and Baptiste Coppée.
Brutalism and Post-Punk est un projet d’art pluri-disciplinaire combinant typographie, vidéo et art des images imprimées, explorant le lien entre architecture brutaliste et esthétique musicale post-punk. Le projet prend la forme d’un caractère typographique original, conçu pour traduire visuellement les principes structurels et émotionnels de ces deux univers.
La typographie est sans empattement, rigide et géométrique, avec une graisse lourde qui confère une présence physique et imposante, rappelant les volumes massifs et monolithiques des bâtiments brutalistes. Le crénage léger crée une tension subtile entre lisibilité et densité, tandis que la hauteur en X uniforme pour tous les glyphes assure une cohérence visuelle et un rythme graphique minimaliste, en résonance avec la répétition et la rigueur formelle de l’architecture.
Destinée au titrage, cette police traduit également la dureté et l’énergie froide du post-punk, en matérialisant la musicalité et l’intensité d’une scène qui privilégie la texture, la dissonance et le contraste. Les déclinaisons vidéo et imprimées mettent en valeur la modularité et la force visuelle du caractère, créant une expérience multidimensionnelle, où typographie, image et mouvement dialoguent pour transmettre une esthétique brute, directe et critique.
Brutalisme and Post-Punk dépasse ainsi le cadre du simple alphabet : il devient une enquête visuelle sur l’architecture, la musique et la forme des lettres, transformant chaque glyphe en icône d’énergie et de matérialité.
Brutalism and Post-Punk is a multidisciplinary art project combining typography, video and printmaking, exploring the link between brutalist architecture and post-punk musical aesthetics. The project takes the form of an original typeface, designed to visually translate the structural and emotional principles of these two worlds.
The typeface is sans serif, rigid and geometric, with a heavy weight that gives it a physical and imposing presence, reminiscent of the massive, monolithic volumes of brutalist buildings. The slight kerning creates a subtle tension between legibility and density, while the uniform X-height for all glyphs ensures visual consistency and a minimalist graphic rhythm, resonating with the repetition and formal rigour of the architecture.
Designed for headlines, this typeface also conveys the harshness and cold energy of post-punk, embodying the musicality and intensity of a scene that favours texture, dissonance and contrast. The video and print versions highlight the modularity and visual strength of the typeface, creating a multidimensional experience where typography, image and movement interact to convey a raw, direct and critical aesthetic.
Brutalisme and Post-Punk thus goes beyond the simple alphabet: it becomes a visual investigation of architecture, music and the form of letters, transforming each glyph into an icon of energy and materiality.
Globalement Sous Surveillance est une œuvre pluridisciplinaire qui interroge visuellement et expérimentalement les dynamiques contemporaines de surveillance à l’ère des dispositifs législatifs et technologiques de contrôle. Le projet se présente comme une installation numérique interactive où chaque geste du·de la spectateur·ice est détecté et potentiellement « surveillé », créant une expérience où l’interaction du public active des éléments visuels — textes et images documentant, par exemple, le floutage des forces de l’ordre, le déploiement de drones ou la présence policière dans l’espace public — en référence critique à des lois comme la « Sécurité Globale ».
L’œuvre mêle interface numérique, programmation interactive, images documentaires et réflexions politiques pour faire ressentir la sensation d’une société sous observation permanente. L’interactivité place le·la spectateur·ice au cœur d’un système qui simule des mécanismes de contrôle et de réaction, rendant tangible le rapport entre présence, mouvement et surveillance.
Activée comme performance publique, l’installation transforme l’espace d’exposition en scène où le corps, l’action et la réaction se confrontent à l’idée d’un œil omniprésent du contrôle social. Ainsi, l’œuvre ne se contente pas de représenter la surveillance : elle la met en acte, faisant de chaque interaction un moment performatif et réflexif.
En collaboration avec Alan Romeira, Alexandre Vieren et Margaux Deroite.
Globally Under Surveillance is a multidisciplinary work that visually and experimentally questions contemporary surveillance dynamics in an era of legislative and technological control mechanisms. The project takes the form of an interactive digital installation in which every movement made by the viewer is detected and potentially “monitored”, creating an experience in which audience interaction activates visual elements — texts and images documenting, for example, the blurring of law enforcement, the deployment of drones, or police presence in public spaces—in critical reference to laws such as the ‘Global Security’ law.
The work combines digital interface, interactive programming, documentary images and political reflections to convey the feeling of a society under constant observation. Interactivity places the viewer at the heart of a system that simulates mechanisms of control and reaction, making the relationship between presence, movement and surveillance tangible.
Activated as a public performance, the installation transforms the exhibition space into a stage where the body, action and reaction confront the idea of the omnipresent eye of social control. Thus, the work does not merely represent surveillance: it enacts it, making each interaction a performative and reflexive moment.
In collaboration with Alan Romeira, Alexandre Vieren and Margaux Deroite.
Édition traitant de l'amalgame entre design graphique et publicité.
À l’heure du néo-libéralisme, ultra-libéralisme, hyper-libéralisme, capitalisme, appelons-le comme nous le pouvons, la frontière entre design graphique et publicité est, et a toujours été floue. Ces publicitaires sont artisans et bénéficiaires de ce système, avec les conséquences que l’on connaît : inégalités sociales, inégalités économiques, surproduction, surconsommation, etc. Le·la designer·euse graphique et les sens de la responsabilité doivent prendre ces distances du prisme imposé par l’omniprésence de la toute-puissance dans l’imagerie publicitaire.
Edition dealing with the amalgam between graphic design and advertising.
In this age of neo-liberalism, ultra-liberalism, hyper-liberalism, capitalism - let's call it what we can - the boundaries between graphic design and advertising are, and always have been, blurred. These advertisers are both artisans and beneficiaries of this system, with all the consequences that we know: social inequalities, economic inequalities, overproduction, overconsumption and so on. Graphic designers and their sense of responsibility must distance themselves from the prism imposed by the omnipresence of omnipotence in advertising imagery.
Affiche pour la conférence du collectif ByeBye Binary à l'ÉSAC avec le KOÖLECTIV.
La conception a été initiée par la question suivante : comment créer une unité graphique pour un panel de pratiques de design/d’activismes aussi variés ? Il existe bon nombre de symboles pour les différentes causes représentées. Ces symboles, qui constituent un répertoire de formes réparties par intervenant.es/collectives, se lient et dialoguent, tout en gardant leur spécificité et leur abstraction. Les différentes affiches sont composées des morceaux d’affiches/objets graphiques trouvés dans les archives de l’école, avec une volonté de réflexion autour du rythme de consommation de l’image.
Cycle de conférence mis en place par des étudiant·es de l’ÉSAC de Cambrai.
Poster for the ByeBye Binary collective's conference at ÉSAC with KOÖLECTIV.
The design was initiated by the following question: how do you create a graphic unit for such a diverse range of design practices/activisms? There are a number of symbols for the different causes represented. These symbols, which make up a repertoire of forms divided up by speaker/collective, are linked and interact, while retaining their specificity and abstraction. The different posters are made up of pieces of posters/graphic objects found in the school's archives, with a view to reflecting on the rhythm of image consumption.
Cycle of conferences organised by students at the ÉSAC in Cambrai.
Exposition Internationale Invisible est un projet d’art pluri-disciplinaire qui interroge la visibilité et l’invisibilité de l’art à travers une pièce principale qui est une maquette de la galerie vide. Cette mise en abyme, inspirée de l’Exposition du vide d’Yves Klein, transforme l’espace d’exposition lui-même en œuvre : l’absence devient contenu. Le projet souligne le manque de moyens dans l’art et la culture, où les contraintes matérielles, financières ou logistiques limitent souvent la production et la diffusion des œuvres. Le vide de la maquette symbolise cette précarité et questionne la valeur de l’expérience et de la présence, plutôt que de l’objet tangible.
L’affiche et le catalogue accompagnant l’exposition ne sont pas de simples supports de communication : ils deviennent des prolongements conceptuels de l’œuvre. Les textes philosophiques qu’ils contiennent enrichissent la réflexion sur le vide, la visibilité et la perception de l’art, inscrivant le spectateur dans un dialogue actif avec l’invisible. La typographie, la mise en page et la composition graphique participent ainsi à l’expérience globale, transformant chaque élément — maquette, affiches, catalogue — en composante intégrante de l’œuvre.
Exposition Internationale Invisible is a multidisciplinary art project that questions the visibility and invisibility of art through a main piece that is a model of an empty gallery. This mise en abyme, inspired by Yves Klein's Exposition du vide, transforms the exhibition space itself into a work of art: absence becomes content. The project highlights the lack of resources in art and culture, where material, financial or logistical constraints often limit the production and dissemination of works. The emptiness of the model symbolises this precariousness and questions the value of experience and presence, rather than the tangible object.
The poster and catalogue accompanying the exhibition are not mere communication tools: they become conceptual extensions of the work. The philosophical texts they contain enrich the reflection on emptiness, visibility and the perception of art, engaging the viewer in an active dialogue with the invisible. The typography, layout and graphic composition thus contribute to the overall experience, transforming each element — model, posters, catalogue — into an integral part of the work.
Une montagne symbolique et une corde cassée changent le destin d’une famille est une œuvre d’art d’images imprimées explorant la première ascension du Cervin et ses conséquences dramatiques sur une famille. L’œuvre se distingue par une expérimentation matérielle poussée. Plusieurs types de papiers sont utilisés pour évoquer la roche, la neige et la glace, avec des textures et des touchers variés qui amplifient la dimension sensorielle et symbolique de la montagne. Les formats multiples renforcent cette diversité, chaque support incarnant un aspect différent de l’expérience alpine.
Le traitement typographique est intégré comme un élément graphique et narratif. La disposition des textes et le choix des polices dialoguent avec les images, accentuant la tension dramatique et l’intensité poétique de l’événement historique. La typographie devient ainsi un outil de narration visuelle, complémentaire des textures et des compositions, soulignant la fragilité et la puissance de la montagne ainsi que la rupture symbolisée par la corde cassée.
L’ensemble crée une expérience contemplative et tactile, où le matériau, la forme et le texte se combinent pour traduire le destin bouleversé d’une famille et la majesté inquiétante du Cervin.
A symbolic mountain and a broken rope change the fate of a family is a work of printed imagery exploring the first ascent of the Matterhorn and its dramatic consequences for a family. The work is distinguished by its extensive experimentation with materials. Several types of paper are used to evoke rock, snow and ice, with varied textures and feels that amplify the sensory and symbolic dimension of the mountain. The multiple formats reinforce this diversity, with each medium embodying a different aspect of the alpine experience.
The typography is integrated as a graphic and narrative element. The layout of the texts and the choice of fonts interact with the images, accentuating the dramatic tension and poetic intensity of the historical event. Typography thus becomes a tool for visual narration, complementing the textures and compositions, emphasising the fragility and power of the mountain as well as the rupture symbolised by the broken rope.
The whole creates a contemplative and tactile experience, where material, form and text combine to convey the upheaval in a family's destiny and the disturbing majesty of the Matterhorn.
Les données de la répartition de la fortune mondiale mettent en exergue un déséquilibre dans nos sociétés. Ce déséquilibre économique entraîne des inégalités sur le plan social, éducationnel ou environnemental. Le projet propose de traduire visuellement et proportionnellement les données de la répartition des richesses par habitant·e. L’affiche représente 100 % de la population mondiale, le cercle représente 43,9 % du patrimoine mondial appartenant au carré représentant 0,9 % de la population mondiale. Cette part de la population représente les 47 millions d’adultes possédant un patrimoine supérieur à un million de dollars. Ces données sont issues de l’observatoire des inégalités en 2020.
Data on the distribution of the world's wealth highlights an imbalance in our societies. This economic imbalance leads to social, educational and environmental inequalities. The project proposes a visual and proportional translation of the data on the distribution of wealth per capita. The poster represents 100% of the world's population, the circle represents 43.9% of the world's wealth and the square represents 0.9% of the world's population. This share of the population represents the 47 million adults with wealth in excess of one million dollars. These figures come from the Observatoire des inégalités en 2020.
Fantasme & appropriation est un projet d’art des images imprimées qui explore la manière dont nos références visuelles influencent la créativité. S’inspirant du texte Pratique photographique et stratégies appropriationnistes de Cécile Dazord, le projet déconstruit, recadre et recombine des photographies d’expositions et de l’environnement quotidien pour créer de nouvelles images. Chaque visuel devient matière, couleur et expérience sensible, transformant l’acte d’appropriation en processus créatif. L’objet imprimé en noir et argenté, à mi-chemin entre livre d’artiste et catalogue d’exposition, fait de l’impression un support à part entière, où l’œuvre se prolonge et se réinvente, suggérant un cycle infini de fantasmation et de transformation visuelle.
Fantasme & appropriation is an art project using printed images that explores how our visual references influence creativity. Inspired by Cécile Dazord's text Pratique photographique et stratégies appropriationnistes (Photographic Practice and Appropriationist Strategies), the project deconstructs, reframes and recombines photographs from exhibitions and everyday environments to create new images. Each visual becomes matter, colour and sensory experience, transforming the act of appropriation into a creative process. The black and silver printed object, halfway between an artist's book and an exhibition catalogue, makes printing a medium in its own right, where the work is extended and reinvented, suggesting an infinite cycle of fantasy and visual transformation.
Identité visuelle et site web pour Asteridea, forum international à but non lucratif, basé à Paris, qui cherche à faire connaître, aimer et protéger l’Espace.
En collaboration avec ABM Studio.
Visual identity and website for Asteridea, an international not-for-profit forum based in Paris, which seeks to promote awareness, love and protection of Space.
In collaboration with ABM Studio.
OpticalSound, septième numéro de la revue abordant les thèmes de l'art contemporain, la musique et les subs culture.
En collaboration avec ABM Studio.
OpticalSound, the seventh issue of the magazine covering contemporary art, music and subs culture.
In collaboration with ABM Studio.
Achronie est un projet d’art des images imprimées issues d’archives photographiques familiales d’un même lieu, étalées sur plusieurs décennies. La notion centrale est celle de « l’achronie », cette sensation de temporalité suspendue où passé, présent et futur semblent coexister. Cette idée se traduit visuellement par une esthétique fantomatique. Les couleurs sont atténuées, presque éthérées, et les superpositions de photographies créent des strates temporelles qui se chevauchent, comme des souvenirs qui s’entrelacent dans l’espace du cadre.
Le traitement visuel accentue la stabilité et la répétition du paysage, tout en suggérant la fragilité de la mémoire et de la perception du temps. Les superpositions, flous partiels et décalages chromatiques font que chaque image devient à la fois figée et mouvante, une oscillation entre présence et absence. Le paysage du village suisse de Zinal, inchangée entre 1993 et 2019, devient un élément graphique récurrent, un motif immuable qui dialogue avec les variations subtiles des saisons et des générations.
Les choix de colorimétrie et de textures imprimées renforcent l’impression de suspension temporelle, tandis que la composition des images crée un rythme contemplatif. Le regard circule, s’attarde, se perd dans les détails et les strates, reflétant la continuité paradoxale entre changement et permanence. L’achronie n’est pas seulement un concept, mais une expérience visuelle et sensible, où le temps se dilate et la mémoire devient forme et couleur.
Achronie is an art project featuring printed images from family photo archives of the same place, spanning several decades. The central concept is that of “achronism”, a sense of suspended temporality where past, present and future seem to coexist. This idea is visually translated into a ghostly aesthetic. The colours are muted, almost ethereal, and the superimposition of photographs creates overlapping layers of time, like memories intertwining within the frame.
The visual treatment emphasises the stability and repetition of the landscape, while suggesting the fragility of memory and the perception of time. The superimpositions, partial blurring and chromatic shifts make each image both frozen and moving, oscillating between presence and absence. The landscape of the Swiss village of Zinal, unchanged between 1993 and 2019, becomes a recurring graphic element, an immutable motif that dialogues with the subtle variations of the seasons and generations.
The choice of colourimetry and printed textures reinforces the impression of temporal suspension, while the composition of the images creates a contemplative rhythm. The gaze wanders, lingers, loses itself in the details and layers, reflecting the paradoxical continuity between change and permanence. Achronicity is not just a concept, but a visual and sensory experience, where time expands and memory becomes form and colour.
CONTRADICTA SW est un projet d’art des images imprimées et de typographie qui interroge l’héritage du design suisse à travers une approche contemporaine et critique. La police s’appuie sur les principes du style international — lisibilité, neutralité, rigueur formelle — tout en introduisant de subtiles tensions dans les proportions, les courbes et les rythmes. Ces micro-écarts perturbent l’apparente objectivité du dessin et révèlent les contradictions d’un langage visuel prétendument universel. Le projet se matérialise sous la forme d’un drapeau imprimé, où la typographie devient symbole : un objet graphique à la fois fonctionnel et politique, transformant un outil de communication en signe manifeste.
CONTRADICTA SW is an art project involving printed images and typography that questions the legacy of Swiss design through a contemporary and critical approach. The font is based on the principles of international style — legibility, neutrality, formal rigour — while introducing subtle tensions in proportions, curves and rhythms. These micro-deviations disrupt the apparent objectivity of the design and reveal the contradictions of a supposedly universal visual language. The project takes the form of a printed flag, where typography becomes a symbol: a graphic object that is both functional and political, transforming a communication tool into a manifesto.
Affiche et affiche animée pour la journée portes ouvertes 2019 à l'ÉSAC de Cambrai.
Poster and motion poster designed for the 2019 open day at the ÉSAC in Cambrai.
Berliner Mauer est un projet d’art pluridisciplinaire qui combine sculpture, design graphique, images imprimées et vidéo pour explorer la mémoire et la symbolique du mur de Berlin. Conçu pour commémorer les 33 ans de sa chute, le projet transforme l’affiche en une sculpture volumétrique, donnant à ce support habituellement plat la présence physique et monumentale d’un fragment de mur.
Cette mise en volume permet de réactiver l’expérience sensorielle et mémorielle du mur, tout en créant un dialogue entre l’histoire collective et la matérialité contemporaine de l’objet d’art. La surface imprimée conserve le langage graphique, les couleurs et la typographie de l’affiche originale, mais leur tridimensionnalité accentue la notion de fracture, de séparation et de passage.
L’œuvre joue sur la tension entre mémoire historique et perception contemporaine, transformant un simple document visuel en objet sculptural porteur de sens. En intégrant des supports vidéo et imprimés, le projet propose une lecture multidimensionnelle, où chaque médium contribue à faire ressentir l’impact politique et symbolique du mur.
Berliner Mauer ne se contente pas de représenter un événement historique : il invite le·la spectateur·ice à interagir avec l’histoire, à expérimenter l’espace et la mémoire à travers une installation qui conjugue image, volume et récit collectif.
Berliner Mauer is a multidisciplinary art project that combines sculpture, graphic design, printed images and video to explore the memory and symbolism of the Berlin Wall. Designed to commemorate the 33rd anniversary of its fall, the project transforms the poster into a volumetric sculpture, giving this usually flat medium the physical and monumental presence of a fragment of the wall.
This three-dimensional rendering reactivates the sensory and memorial experience of the wall, while creating a dialogue between collective history and the contemporary materiality of the art object. The printed surface retains the graphic language, colours and typography of the original poster, but its three-dimensionality accentuates the notion of fracture, separation and passage.
The work plays on the tension between historical memory and contemporary perception, transforming a simple visual document into a sculptural object imbued with meaning. By incorporating video and printed media, the project offers a multidimensional interpretation, with each medium contributing to conveying the political and symbolic impact of the wall.
Berliner Mauer does not merely represent a historical event: it invites viewers to interact with history, to experience space and memory through an installation that combines images, volume and collective narrative.
Design éditorial d'un guide touristique architectural et contemplatif de la région Rhône-Alpes. Les photographies et les illustrations sont le fruit d’un travail de vacances d’été de Lyon, aux stations alpines en passant par le Valais Suisse.
Editorial design of an architectural and contemplative tourist guide to the Rhône-Alpes region. The photographs and illustrations are the fruit of a summer's work, from Lyon to the Alpine resorts and the Swiss Valais.
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